viernes
El debate en torno a la crítica de literatura como género periodístico
Una mirada sobre la crítica literaria que aborda cuestiones que nos sirven para pensar la crítica de cine. El texto es "El debate en torno a la crítica de literatura como género periodístico en el campo cultural español" de Asier Arévalo Billelabeitia y lo tienen completo en el link.
Celuloide, revista de cine
Compartimos la revista de cine Celuloide, realizada por alumnos de La Metro. Pueden seguir la publicación también en la página de La Metro. Los invitamos a leer y escribir en esta producción.
jueves
Sobre la crítica / Una mirada de Udo Jacobsen
Compartimos el texto "Breves argumentaciones, nada concluyentes, en torno a la crítica cinematográfica" de Udo Jacobsen
sábado
Sobre la crítica / Apuntes de Roland Barthes
Los invitamos a compartir extractos del texto Critica y verdad de Roland Barthes
y otro material del mismo autor: Sobre la crítica
viernes
Sobre la crítica y el (los) lenguaje (s)
El "análisis crítico del discurso" según Van Leeuwen, "se ocupa, o debería ocuparse, del discurso como instrumento de poder y de control, y también del discurso como instrumento de la construcción social de la realidad".
"La noción de "crítica" debe entenderse como el resultado de tomar cierta distancia respecto de los datos, enmarcar éstos en lo social, adoptar explícitamente una postura política y centrarse en la autocrítica.
"...el lenguaje carece de poder propio, obtiene su poder por el uso que las personas poderosas hacen de él".
Las citas pertenecen a "De qué trata el análisis crítico del discurso" en "Métodos de análisis crítico del discurso" de Ruth Wodak y Michael Meyer (compiladores)
jueves
Cine y dictadura
- "Los film del proceso y sobre el proceso". Sergio Wolf. En: Revista Ñ, nº 129, 18 de marzo de 2006.
- "El cine bajo estado de sitio". Sergio Wolf. En: Suplemento Diario Clarin. 2001 http://edant.clarin.com/suplementos/zona/2001/03/11/z-00615.htm
- "El cine del proceso, estética de la muerte". Sergio Wolf. En: Cine argentino, la otra historia/Sergio Wolf, comp. Buenos Aires: Letra buena, 1994.
- El cine en dictadura". Suplemento Radar. Página 12, 1 de octubre de 2006. http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/radar/subnotas/3289-523-2006-10-01.html
- "Cine y dictadura" María Paulinelli, coord. Córdoba. Comunicarte, 2006.
- "Operación ja ja" Hugo Salas. Suplemento Radar, Página/12, 1 de octubre de 2006.
- "El cine argentino durante la dictadura militar 1976-1983". Fernando G. Varea - Municipalidad de Rosario. 2006
Películas / Vals con Basir de Ari Folman
Un vals con Bashir es una película de animación documental dirigida y escrita por Ari Folman. En 2008 ganó el Globo de Oro a la mejor película en lengua no inglesa y el César a la mejor película extranjera entre otros premios. También fue nominada al Óscar a la mejor película de habla no inglesa y al BAFTA a la mejor película.
Dirección y guión: Ari FolmanPaíses: Israel, Francia y Alemania.
Año: 2008.
Duración: 90 min.
Género: Animación, biopic, drama.
Producción: Ari Folman, Yael Nahlieli, Serge Lalou,
Gerhard Meixner y Roman Paul.
http://es.wikipedia.org/wiki/Vals_con_Bashir
http://www.filmaffinity.com/es/film677305.html
http://www.golem.es/valsconbashir/
sábado
Películas / Eraserhead de David Lynch
David Keith Lynch (n. Missoula, Montana, Estados Unidos, 20 de enero de 1946) es un director de cine estadounidense. Su actividad artística se extiende asimismo al terreno de la pintura, la música, la fotografía e incluso el diseño mobiliario
Eraserhead
Henry Spencer se entera en casa de los padres de su amiga Mary de que ha sido padre de un bebé prematuro e inhumano. Mary se instalará en casa de Henry junto con el recién nacido, un pequeño ser que enferma repentinamente. De repente, el joven se verá asaltado por unas curiosas criaturas muy parecidas a los gusanos. Mientras, la cabeza y el cuello del pequeño no dejan de crecer amenazantes.
Portadora de su propia lógica, posee una ambigüedad impenetrable que permite que solo se le puedan encontrar significados alegóricos de manera superficial
El rodaje de Cabeza borradora duró cinco largos años y debió trabajar de dia para seguir su producción de noche.
Lynch logra la creación de una atmósfera en total consonancia con el estado emocional en el que se encuentra el personaje, y la total integración de lo onírico y de lo absurdo en ese universo cerrado.
Es un viaje alucinante al fondo de la mente.
Conjuga el género fantástico, el cine experimental y el psicoanálisis; con el añadido de ser estéticamente una película oscura, opresiva y difícil de ver.
Pesadilla situada en un paisaje urbano industrial y degradado
Absurdo / Surrealista / Morbo / Estética en base a un rígido blanco y negro
Efectos Los movimientos y jadeos del bebe, sus gemidos continuos y el tono de gris enfermizo de su piel son obra del propio Lynch (materialmente hablando) / Narración Desarrollo lento al principio y dinamismo al final. / Sonidos Siempre de fondo, se escucha un pegajoso siseo
viernes
Películas / Andrei Tarkovski
Por eso… me siento más próximo a Nostalghia”
Fuente: Llano, R., Andrei Tarkovski . Vida y obra. Volumen II, Valencia, Filmoteca, 2002, p. 722.
Herramientas del análisis / La interpretación de mensajes audiovisuales
La interpretación de mensajes audiovisuales:
análisis y crítica cinematográficas
Por Ana María Sedeño Valdellós. valdellos@uma.es
Herramientas críticas
En cuanto a las formas para realizar críticas, David Bordwell1 destaca la herramienta de los campos semánticos, que capacitan al crítico para producir interpretaciones de todo tipo y para introducir sus reflexiones en campos hermeneúticos más ricos, donde sustentar sus reflexiones.
Un campo semántico es un conjunto de relaciones de significado entre unidades conceptuales. La relación campo/ciudad constituye un campo semántico, unificado por una relación de significado opuesto. Ciudad/pueblo/aldea/casa también es un campo semántico, organizado en orden descendente de tamaño. Ciudad/provincia/región/país, constituye un campo semántico definido por inclusión.
En principio, existen dos actividades implicadas:
El intérprete o crítico debe construir campos semánticos que puedan asignarse a la película.
El intérprete o crítico debe encontrar indicaciones y patrones sobre los que ordenar los campos semánticos. Estética: fotografía, vestuario, música, sonido, puesta en escena. Etc.
Para asignar significados explícitos, implícitos o sintomáticos a estas indicaciones, el crítico debe adscribir alguna hipótesis sobre campos semánticos apropiados. ¿Cuáles son esas indicaciones sobre las que construir campos semánticos? Algunas posibles:
1. ¿Cómo son los personajes?: actuación, motivaciones.
2. ¿Son reales?
3. ¿Qué quieren, qué desean?
4. ¿Por qué hacen lo que hacen?
5. ¿Son sus acciones una derivación de sus formas de ser?
6. ¿Cómo están relacionado los fragmentos de acción?
7. ¿De qué modos están relacionados los personajes?
8. ¿Qué dicen las acciones acerca de los personajes que las realizan?
La interpretación de una obra audiovisual no puede despegar a menos que se propongan campos semánticos relativamente abstractos sobre todo si quiere llegar a significados implícitos o sintomáticos.
jueves
Lecturas / Peter Greenaway
El cine de Greenaway está marcado por una serie de imágenes o elementos que se repiten, casi invariablemente, cinta tras cinta, de una forma obsesiva, lúdica y rotunda.
• En primer lugar, y de forma sobresaliente y original, su pasión por el orden, por lo enciclopédico, por las colecciones, la taxonomía. Cuenta, lista, clasifica toda clase de objetos: libros, maletas, cuerpos, comidas, arquitecturas, etc. De esta manera vemos, literalmente, montañas de libros en Los libros de Próspero y una enumeración de ellos, con nombres sugerentes. En Las maletas de Tulse Luper: La historia de Moab, una lista de maletas que va relacionando, numeradas, y de los curiosos contenidos de cada una de ellas.
• Su amor por las letras y los números, que le ayudan en las clasificaciones que mencionamos, pero que, mayoritariamente, para él tienen un valor en sí mismos. Utiliza con profusión letras y números en muchos tipos diferentes. Las letras solas (más como dibujos que como letras) o en compañía formando palabras y frases recorren la pantalla, aparecen en cualquier momento, están (The Pillow Book) incluso sobre cuerpos humanos.
• La anatomía es otra de las constantes del cine de Greenaway. Siempre hay algún cuerpo desnudo, alguien que se desnuda, alguien que es desnudado. A veces la imagen del cuerpo puede ser más o menos erótica, pero, en la mayor parte de las ocasiones, es un cuerpo presentado como un cuerpo más del orden animal, como un estudio anatómico. Clasificado pero casi inhumano.
• Búsqueda incansable de lo geométrico, el equilibrio y lo simétrico. Planos que se dividen, multiplican. Por todos los fotogramas encontramos cuadrados, circunferencias, rombos, líneas paralelas... Todo equilibrado y tras una simetría exacta. Objetos que se equilibran a ambos lados de la pantalla. Gemelos.
• Su juego con el arte es común a todos sus films. Personajes que parecen en un cuadro, referencias abundantes a la literatura, la arquitectura, la música,... Personajes que son artistas. Títulos de sus películas en las que aparecen palabras como "arquitecto", "dibujante"...
• El Barroco es el modelo y la norma en sus cintas. Lo abundante, lo excesivo, lo sobrecargado... Fragmentos de estatuas enormes ("El vientre del arquitecto"), reses abiertas en canal ("El cocinero..."). La propia época ("El niño de Maçon", "El contrato...").
• Imágenes, fijas o en movimiento, en uno o más cuadrados, sobre la imagen principal. Son como ventanas a otros personajes, a otras situaciones, a otros puntos de vista, a acciones paralelas. Películas dentro de las películas.
Es preciso señalar que estos elementos que se repiten están en línea con la música minimalista y repetitiva del compositor Michael Nyman, que suele ser el creador de las bandas sonoras de las películas de Peter Greenaway.
Fuente principal: http://es.wikipedia.org/wiki/Peter_Greenaway
http://www.petergreenaway.info/
http://www.petergreenaway.org/
http://www.cinematismo.com/biografias/peter-greenaway/
Otras fuentes para ver material del director:
http://www.todocine.com/bio/00037018.htmhttp://www.petergreenaway.info/
http://www.petergreenaway.org/
http://www.cinematismo.com/biografias/peter-greenaway/
Lecturas / El relato
Christian Metz propone que relato es:
- “en tanto que objeto material, todo relato está clausurado” por ello tiene inicio y final
- “todo relato pone en juego dos temporalidades: la de la cosa narrada, la que deriva del acto narrativo en sí”.
- el relato es un discurso, “una serie de enunciados que remite necesariamente a un sujeto de la enunciación” en la que existe una “instancia narrativa” en la que alguien relata algo.
- la percepción del relato irrealiza la cosa narrada: un relato no es la realidad.
- El relato es un conjunto de acontecimientos, “un discurso cerrado en el que el acontecimiento es la unidad fundamental” y que permite a Metz definir relato como “un discurso cerrado que viene a irrealizar una secuencia temporal de acontecimientos”.
• contar es inherente al hombre histórico, ¿lo será al hombre como animal racional?. Relata homero, y Las mil y una noches, y los pueblos originarios de América. La Biblia es un relato de la creación del mundo. El relato oral hace surgir la historia, recrea el pasado, construye la memoria y nos permite salir de la animalidad.
• Pero en el relato está implícita una forma de relatar y allí, en ese modo, también se construye la idea de relato. Por ello no es más que una categoría vacía que se nutre de cada acción de relatar –según su época histórica, su contexto político económico, su especificidad cultural-.
El relato cinematográfico
El relato existía mucho antes de la parición del cine, y los realizadores de cine se inspiró en las demás artes a la hora de inventar sus propios “modos de contar” historias; puede decirse, pues, que no existe cine sin relato (¿y el cine oriental, y el experimental?).
Sin embargo el relato cinematográfico se diferencia radicalmente de otros, como el literario. El relato de una película es mucho más que su guión. Atravieza todas las etapas de la creación del filme, incluidos el rodaje y montaje. Se encarna en la representación de los actores, en sus voces y cuerpos; en la elaboración de la banda sonora, el uso de la elipsis, fundidos, flashback/forward, etc.
El relato, en cine, es una puesta en escena. De ahí la paradoja porque “Nada es mas natural que contar, ni menos que poner en escena”
En la ¿dicotomía? documental/ficción, la reflexión sobre cine suele separar ambos géneros, aunque cada vez más vemos “como toda película participa a la vez de los dos géneros” señala Metz.
domingo
crítica de tesis / Fin de Semana
Un Muro de Silencio
Por Quique González
“Parlamento... parlamento...” repite la mamá de Martina con los auriculares tapando sus oídos, tapando sus sentidos. Parlamento, “conversación o diálogo para llegar a un acuerdo o solucionar un asunto”. Parlamentar, hablar, conversar, comunicarse es el deseo de una hija que se siente desolada, que necesita una presencia cálida, una palabra sanadora, una mamá que la mime. Pero la mamá apenas puede estrechar lazos con su celular, su notebook, sus artefactos distantes, lejanos, muy lejanos de lo que siente su hija, de lo que necesita su hija: dialogar para intentar solucionar un asunto.
Si hay algo que se respira en el aire de “Fin de semana” es esa sensación de que nada va a ocurrir, nada puede pasar, es decir nada de lo que deseamos nosotros junto con Martina va a suceder. Y es esa imposibilidad, esa frontera, un muro que se ha levantado entre dos seres que uno intuye se extrañan, extrañan quererse, pero cuando están frente a frente se evaporan como sombras de ellos mismos, de lo que quizás alguna vez fueron.
La imagen se nos aparece impecable, sobria y en este sentido se puede decir que lo cuidado, prolijo, equilibrado de la composición no hace más que subrayar este ambiente gélido que se aplasta aun mas con la acertada y riesgosa decisión de apostar al teleobjetivo como el mecanismo que dirige la película. Pero es el sonido el verdadero protagonista de esta historia. Los silencios, los duros silencios apenas cortados con diálogos superficiales e inocuos; un silencio que lastima, que corta y penetra adentro de cada una de estas mujeres que las empuja a conectarse y apenas balbucear “me siento sola”(excelente Jéssica Kloner, la hija) o “te pasa algo” (una fría Ginette Reynal, la madre) para inmediatamente replegarse y volver a entregarse al silencio.
La película no conmueve sino que nos deja estáticos, arrugados; nos deja una extraña y desagradable sensación de impotencia, de inutilidad. El rigor de la puesta en escena contrasta con cierta sencillez, cierta delicadeza que nos transmite porque abandona cualquier arrebato de pretensión, y esto siempre será bienvenido en el cine.
“Fin de semana” es un trabajo final de alumnos de La Metro presentado a fines de 2009: bienvenidos al mundo del cine.
crítica de tesis / Fin de semana
Paarrrlamennnto
Por Diego Arroyo
La escena empieza con un Plano General desde la costa hacia al lago con fondo de montañas: curvas quebradas como ondas electromagnéticas o de estadísticas: arena, piedra, agua, cielo. Un encuadre preciso, ajustado a líneas rígidas que no desvían la mirada hacia una persona en la playa. En el acorte el rostro de la hija deja espacio para que en el fondo irrumpa una mancha roja que el foco empieza a develar. Más curvas, oscilantes, de aquí para allá, forzando a abrir las paredes del encuadre para dejar paso a la sinuosidad de la madre. Piel, huesos, miembros… en esa aparición la escena se enciende. Prosigue con su intercambio de desencuentros entre esa madre y esa hija que están físicamente al lado pero con almas a años luz de distancia.
Las miradas escapan por los extremos del encuadre evitando toda forma de cercanía. La madre, con ese vestido de playa en la gama del rojo, apenas dejando escapar algo de hombros y cabellos sueltos, esbelta, soberbia, apasionada, temperamental, es el “esto es porque yo estoy”... La hija, cubierta por un abrigo en tonos azules. Cabello rígido, encogida, ensimismada, oculta, aplacada, está en la sintonía del “yo no estoy porque no soy”. Todas estas caracterizaciones están en la complejidad de la oposición del rojo y el azul. La escena goza (la disfrutamos los que la vemos), de un intercambio de polaridades que se mueven como una segunda imagen (un guiño, una celebración a la prestidigitación cinematográfica). Podrían ser padres e hijos, amantes lejanos, hermanos del círculo cromático pero siempre en eterna oposición: el cielo y la tierra, Venus y Marte, la nada y el ser… El rojo excita el metabolismo y el azul lo relaja. Los colores en esa escena hablan por sí mismos. La madre y la hija no hablan, apenas si intercambian palabras para rellenar el vasto espacio de la playa que sólo lo completa el viento y que colabora en tensionar aún más la imagen. Las dos mujeres (bien mujeres), apenas si acomodan sus planos medios en el cuadro y sin embargo la distancia se explicita en el escape continuo de las miradas.
Como si fuera poco, la oposición formal de cada uno de los “elementos” de la escena: piel, cabellos, ojos, cabezas, colores, arena, sol, cielo, palabras, telas… Están las palabras. Están las palabras que se dicen y las que no se dicen que son las que dan vueltas a lo largo de todo el cortometraje. En qué idioma hablan estas mujeres? Todo en ellas es oposición. La madre se pone los auriculares de su i-pod y sigue con su curso personal de italiano… “parlamento”, paarrrlamennnto”, se dice en italiano eso que apenas, lejanamente, entienden en español.
crítica de tesis / Fin de semana
Voy, pero no estoy
Por Pablo Natta
“Fin de semana” es una historia protagonizada por Ginette Reynal y Jéssica Kloner, en la que se narra el breve encuentro entre una joven que rompió su matrimonio y su madre. Breve por el tiempo que comparten, pero sobre todo por aquello que ponen en el encuentro. Reynal aporta una dilatada experiencia actoral y su glamour en la construcción de un personaje que por momentos desempeña su rol materno como un trabajo, como aquello de lo que no puede “safar”.
El corto comienza con Martina, fuera de foco, con una bella toma de las sierras y los sonidos de la naturaleza como marco eterno en el que los humanos se a-bruman, des-dibujan y des-enfocan. Martina, al final del relato, está en el mismo lugar después de haber compartido un fin se semana (en minúscula) con su madre. Una metáfora de lo que dejó, para ella, el fin de semana.
“Fin de semana” es una historia de los vínculos humanos narrada con desapego. Diálogos carentes de afectos, que refieren a lo cotidiano, lo banal, nos hablan de vacuo universo en el que se mueven los personajes, de su relación fría, des-implicada. Estamos, quizá, ante un relato en el que se busca dar cuenta del des-interés en el otro. Historia de jóvenes sin padres, de la imposibilidad de comunicación. “Me siento sola” dice Martina. “Ya se te va a pasar” responde la madre, y sigue con su trabajo.
El encuentro, durante el fin de semana, nunca se produce; o lo hace así, líquido, banal. Alejado por la vergüenza a compartir la desnudez, las ocupaciones laborales, clases de idioma para el próximo viaje o por el maldito-insecto-zumbador que llevamos atado al bolsillo. Una llamada siempre corta el encuentro para darle preeminencia a las relaciones incorpóreas, mediatizadas por pantallas y lejanías. Estamos en una época que no tolera al otro cerca, rehúye el contacto de los cuerpos y mediatiza los afectos. También en éste aspecto el film transparenta un estado de la cuestión.
En sus casi 18 minutos, la tesis dirigida por Moroco Colman desenvuelve prolijamente la trama del estar-en-el-mundo cerca del otro, no con el otro.
sábado
crítica de tesis / Fin de semana
“Fin de semana”, de Sofía Castells y equipo
Por Ramiro Ortiz
Lo primero y que más permanentemente me impactó fue la fotografía. De primer nivel. Muy profesional. La actuación de Jessica Kloner también me pareció superlativa. Su depresión se siente como espectador. El corto está muy bien contado. Insisto con lo de la “naturalidad” con que una cosa lleva a la otra, lo cual en este tipo de narraciones de tipo clásico (existen otras, por supuesto) es todo un mérito.
La síntesis, la concisión, el orden, la coherencia, importan en esto, así como el no “irse por las ramas”. Me gustó también el desenlace. No tiene un final “cinematográfico” o “de cuento” donde el conflicto se soluciona más por necesidad de cerrar una historia que por una maduración propia de los personajes. Es súper creíble que la madre se vuelva a Buenos Aires sin siquiera devolverle nada a esa hija que le confiesa que se siente sola. Un problema como este puede solucionarse o tan siquiera “hablarse” en un fin de semana. En la realidad todo puede suceder. Pero en la ficción no siempre. Soy un convencido ferviente de que la realidad supera a la ficción. El “acuerdo de las partes” hubiera quedado irreal en ese contexto.
crítica de tesis / What a fuck!
What a fuck!, de Mariángel Magaquián y equipo
Por Ramiro Ortiz
Logró transmitir algo muy difícil: una sensación de incertidumbre, miedo, inestabilidad, enojo, contradicciones y cierta locura que los personajes están experimentando frente a la posibilidad de enfrentar un embarazo no planificado que pone en jaque a una pareja de constitución todavía frágil. Es de una complejidad importante la construcción de esa atmósfera.
También hay suspenso (con la aguja de tejer desde el comienzo en estado amenazante), e intensidad en las representaciones de los personajes. En los rubros técnicos (aunque cada vez dudo más acerca de la separación entre técnico y artístico; hay arte en un foco bien dirigido y técnica incluso para la espontaneidad) me gustaron la iluminación y el sonido en general. También le valoro la osadía. No soy un asiduo veedor de cortos, pero no creo que sea común en cortos como estos encontrar actores tan jugados e historias que se atrevan a mostrar mujeres tan desenfadadas o besos tan profundos entre los personajes; la sexualidad con un dejo de violencia eran necesarios para llegar adonde me parece que querían llegar los actores.
Subrayo y destaco también la ductilidad para contar. No se notan a primera vista escenas de más ni de menos. Una cosa lleva a la otra con naturalidad.
crítica de tesis / La última foto
“La última foto”, de Lucas Moretta y equipo
Por Ramiro Ortiz
Sobresalió la banda sonora. El prólogo de la historia me pareció de alta calidad. El casting es muy apropiado, en especial el niño y el adulto que en distintas edades son el mismo protagonista. Le agregan mucho a la historia.
La producción también merece una mención especial. El patio adornado para el cumpleaños. La escena policíaca al final, el periódico con la noticia especialmente impreso para la ocasión. Resaltan “frente a la cámara” el trabajo de producción.
La representación de época del comienzo tiene una estética bien lograda, lo mismo que la iluminación dentro del cuarto oscuro donde el protagonista revela sus fotografías en blanco y negro al estilo “artesanal”.
Buena decoración de la casona antigua, con sus cuadritos colgados de las paredes y la colección de cámaras, donde aquél vive. También están los recursos narrativos que rompen con la forma y los tiempos del relato. Las fotografías tomadas por el niño con la camarita que le regalan. El montaje rápido de primerísimos primeros planos como abreviatura del trabajo de revelado…
viernes
criticas de alumnos / Kamchatka
KAMCHATKA, UNA PELICULA DE TERROR A TRAVES DE METAFORAS.
Por Nicolás García Melgarejo
“Una característica esencial de lo humano es que lo que somos capaces de intuir excede siempre lo que percibimos, y que nuestra relación con el mundo es consecuencia de una compleja combinatoria en la que las relaciones interpretantes y valorativas tienen tanta importancia como los mismos hechos (y a veces más)” (Vázquez Medel, ensayo “Lenguaje, representación, horror”, 2001)
La película Kamchatka refleja lo citado arriba, ambientada en el ’76, en ella se relata una parte del “Proceso de Reorganización Nacional” a través de la mirada de un chico de 10 años, que observa como ocurren grandes y bruscos cambios en su vida cotidiana y en su familia. En este interesante film se pueden apreciar bastantes y sutiles metáforas que llevan a pensar directamente sobre lo ocurrido en esos horribles años en Argentina. Algunas de ellas son el juego T.E.G, del que se desprende el nombre del film, Kamchatka, un lugar donde resistir, permanecer, sostenerse frente a todo; Houdini el escapista, metáfora sobre la situación del país y de los protagonistas; la serie televisiva “Los Invasores”, metáfora de cómo Harry, ve a los militares.
El guionista y novelista Marcelo Figueras ha explicado con claridad la idea Matriz del film: “Se trataba de verlo todo a través de los ojos del niño: no ver más de lo que ve, ni saber más de lo que sabe. El horror quedaba condenado, así, al fuera de cuadro. Lo intuiríamos, lo oleríamos, hasta padeceríamos sus consecuencias, pero no lo veríamos jamás”.
El uso de tantas metáforas se debe a que en ningún momento se pueden ver las fuerzas ejercidas por los militares en el proceso de forma explicita, ni imágenes violentas. Aunque en algunas escenas se puede ver el desarraigo de los niños de su ambiente cotidiano, el miedo de los padres, el ocultamiento y el deseo de resistir, cosas que sugieren lo acontecido en ese momento de la historia aun sin imágenes ni diálogos explícitos, por lo que aquí nos encontramos con una limitación de subjetividad diferencial.
Y menciono lo de la limitación subjetiva ya que esta película puede ser totalmente aburrida y con poco sentido para personas de generaciones más jóvenes que no experimentaron aquellas sensaciones o también así para muchos desinformados en detalles sobre el tema en cuestión. Sin embargo como metáfora, para otras personas, es una película que moviliza, que provoca mucho terror y que transmite la esencia de lo que fue la dictadura aun sin utilizar imágenes fuertes; considero que este es un gran logro; dar a entender sin contar demasiado y provocar reacciones tan fuertes como las que se podrían experimentar mostrando crudamente la utilización de la fuerza, las desapariciones y la represión en todas sus facetas.
Miradas sobre la crítica III
Primero conocer, luego juzgar
Por Florencia Gómez
Por Florencia Gómez
¿Qué hacemos cuando leemos una crítica cinematográfica? ¿Nos dejamos influenciar totalmente por la misma y hasta somos capaces de no ir al cine? ¿Qué pasa si leemos la sinopsis de una película que nos parece interesante y luego leemos una critica mala sobre la misma? Tal vez, un porcentaje elevado de la sociedad es capaz de no ir a ver una película por las malas críticas o pasarla a un menor rango. Por otro lado, un porcentaje menor responde que si le interesa la película, luego de leer las críticas, decide ir al cine igualmente. ¿Es posible que un lector cambie su postura y creencias porque la mayoría sostiene una ideología? ¿Si pensamos diferente, nos hacemos cargo o tememos ser reprobados por la sociedad?
Hace poco leí un libro, El Zair – Paulo Coehlo, que contaba una historia interesante. Supongamos que Hitler hubiese ganado la guerra, liquidado a todos los judíos del mundo y convencido a su pueblo de que realmente existe una raza superior. Los libros de historia empiezan a cambiar, y cien años después, sus sucesores consiguen acabar con todos los indios. Trescientos años más, lo negros son completamente diezmados. Tarda quinientos años, pero finalmente la poderosa máquina de guerra consigue eliminar de la faz de la Tierra la raza oriental. Los libros de historia hablan de remotas batallas contra bárbaros, pero nadie lee con atención porque no tiene la menor importancia. Entonces, dos mil años después del nacimiento del nazismo, en un bar de Tokio (habitada hace casi cinco siglos por gente alta y de ojos azules), Hans y Fritz toman una cerveza. En un momento dado, Hans mira a Fritz y le pregunta:
-Fritz, ¿Tú crees que todo ha sido siempre así?
-¿Así cómo?- Quiere saber Fritz
- El mundo
- Claro que el mundo siempre ha sido así, ¿No es eso lo que hemos aprendido?
- Sí, claro, no sé por qué he hecho esta pregunta idiota - dice Hans. Terminan su cerveza, hablan de otras cosas y olvidan el tema.
No hace falta irse 2000 años al futuro si podemos volver 2000 años atrás. Cuando las torturas aun eran legales y la peor tortura era la crucificación. Símbolo que, hoy en día, mucha gente se lleva al pecho. O el árbol de navidad, que su origen cuenta que San “algo” (no es relevante saber el nombre) vió a una familia indígenas dejar ofrendas debajo de un árbol que no era un pino y decidió cambiar cierto punto de la historia. Y si es que el hombre llegó a la luna, ¿Por qué hoy en día con todos los avances tecnológicos sea imposible repetirlo? Hasta tiene su día festivo y todo.
Mi punto es, si yo leo una sinopsis de una película que me parece interesante y luego leo las criticas y son malas. Si realmente me interesó, la voy a ver igual y luego opino. Y es ahí cuando decido si estoy de acuerdo con las críticas o todo lo contrario. No se puede juzgar sin previo conocimiento. O sostener una idea solo porque (en forma vulgar) “todo el mundo dice y hace” ¿Qué pasaría si todo le mundo está equivocado? Por ejemplo “Alicia en el país de las maravillas” de Tim Burton, antes de verla leí una crítica en la que sostenía puntos bueno y malos, pero los malos eran en mayor cantidad. Igual decidí ir a verla. Terminé opinando igual que la crítica. Muy buenos los efectos especiales pero la trama no es mas que otra historia de Disney para niños. O “Avatar” demasiadas críticas alentadoras, y cuando la ví mi pensamiento fue: “muy buenos los efectos pero es otra película más.”
Sostengo que el análisis y crítica cinematográfica puede ser algo muy subjetivo y cada persona tiene un gusto diferente. Así que si te interesa una película pagá la entrada, o alquílala y luego saca tus propias conclusiones.
Miradas sobre la crítica II
Un arma de doble filo
Por Federico Piatti.
Por Federico Piatti.
Desde las primeras creaciones humanas ya existe la crítica. Es inevitable no tener un juicio de valor hacia una obra o expresión artística.
Hoy la crítica se ha especializado a tal punto que existen tantos profesionales como campos a los que se dedican. Esta especialización da como resultado que expertos en el campo opinen y comuniquen su opinión, basada en hechos concretos acerca de una obra en cuestión a la sociedad en general.
Si se toma al objeto de la crítica en términos de mercado, no es más ni menos que un producto. Por lo tanto, la crítica hace el papel de publicidad. Esta puede ser mala o buena, y los intereses en juego alcanzar valores monetarios astronómicos. Es aquí cuando la cuestión de las opiniones se vuelve política, pudiendo haber presiones y altas responsabilidades.
La crítica es, en incontables ocasiones, la responsable de que un producto sea un éxito o un fracaso rotundo. Cabe destacar que siempre hay excepciones, y ciertas obras alcanzan una gran recaudación a pesar de su crítica.
De lo anterior se deduce que lo importante es saber recibir e interpretar las críticas. Uno debe hacer su propia valoración de las obras. Lamentablemente, por una cuestión monetaria, es imposible asistir y disfrutar de todas las obras que uno desea. Aquí entra en juego las opiniones de los críticos, quienes sí tienen esa posibilidad, ayudando a elegir por una de las opciones posibles del momento.
Lo más apropiado sería dedicar cierto tiempo a leer críticas y tener experiencia en ello, conocer quiénes son las personas que opinan y sus gustos, verificar estas opiniones asistiendo a estos espectáculos acerca de cuales se ha informado. Y como paso final, contra criticar a lo dicho por el profesional, discutir con este y plantearse conclusiones.
La crítica es un instrumento muy útil, pero como toda herramienta se la debe utilizar adecuadamente para obtener el máximo beneficio. Ser consientes de lo que se nos dice y reflexionar todo el tiempo sobre ello. Para no ser un mero receptor de opiniones, sino un formulador de estas.
lunes
Miradas sobre la crítica I
Opinión–conocimiento–subjetividad–parcialidad-seducción
Por Ricardo Moroni Funes
Por Ricardo Moroni Funes
Un crítico nunca ofrece una mirada objetiva sobre el sujeto de su estado y dará uno de los tantos sentidos del texto. Esa lectura debe ser apoyada por el análisis y la ética, que son fundamentales a la hora de juzgar una película que tiene tantas lecturas como espectadores la visionen.
Tenemos un emisor, receptor y un mensaje. Por eso es necesario estudiar el cine no en si mismo, sino en relación con los espectadores. Igual que se monta y desmonta un juguete para saber de que está hecho, cual es su estructura interna y mecanismo, igualmente se analiza una película. El análisis es como un recorrido que incluye primero el reconocimiento y la comprensión, se deben identificar los códigos del lenguaje cinematográfico que revelen su intencionalidad, tratando de ir desglosando los aspectos formales del film entre descripción e interpretación, según señala David Bordwel .
Andres Habegger se enfoca sobre creatividad, originalidad y autenticidad, con subjetividad tomando al film como una obra de arte. Señala que la crítica debe aportar una opinión, es una mirada sobre una mirada de un producto artístico.
Pablo Robito, por su parte, dice que un buen crítico no juzga, sino desmenuza, analiza y aporta parámetros para las obras, y no debe ser subjetiva ni arbitraria ni estar al servicio comercial.
Para Pablo Scholz la crítica es un mal necesario y que el film necesita que tengan algo para decir. Un cronista cuenta lo que ve. Un crítico tiene un ojo más clínico, conoce de cine y le agrega un plus al análisis, donde la credibilidad la honestidad sea la base de su trabajo.
Para Maria Núñez, el crítico ofrece una visión, siempre personal para orientar al espectador, y cada obra esta condicionada por la subjetividad de cada espectador. Lo real es que cuando se encara una gran campaña publicitaria pueden hacer que un film independiente de un análisis o crítica se imponga. Pero también debe tenerse en cuenta que una mala critica puede deprimir la visión de una película.
Pienso que el análisis y la crítica, es un punto de vista que necesita de mucho conocimiento en la materia, que está cargada de una gran subjetividad y parcialidad que seduce a los espectadores, que puede estar o no ligada a los intereses comerciales pero depende de la ética y de la honestidad profesional. Como la justicia , está plagada de intereses , parcialidades y sensibilidades sobre todo en el cine donde existe una fuerte ideología política y religiosa , se reflejan en las criticas .Desde la época de Cahiers du Cinemade los 60 , los directores tenían su fuerte influencia literaria, política, religiosa, que fue difícil de obviar en un análisis y critica. Pero como todo consejo no a todos le sienta bien una determinada dieta.
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